El flamenquismo y el antiflamenquismo son dos posturas ideológicas y culturales contrapuestas que giran en torno al flamenco, entendido no solo como una expresión artística —música y baile—, sino también como un símbolo identitario profundamente arraigado en España. El flamenquismo exalta el flamenco como expresión esencial de la identidad andaluza o española. Esta postura tiende a idealizar y folclorizar el flamenco, destacando elementos como el duende, la pasión, el temperamento y la figura romántica del gitano o la bailaora como representación del alma del pueblo andaluz. En muchos casos, el flamenquismo ha sido instrumentalizado con fines turísticos y comerciales, proyectando una imagen de España reducida a clichés como la guitarra, el toro y el traje de flamenca. Aunque esta exaltación del flamenco reconoce su valor artístico y emocional, también ha sido criticada por simplificar una cultura compleja y por fomentar estereotipos. Frente a esta visión, surge el antiflamenquismo, una postura crítica que rechaza el uso dominante y estereotipado del flamenco como representación exclusiva de Andalucía. Esta actitud puede entenderse como una crítica cultural legítima hasta un desprecio clasista hacia el flamenco por asociarse históricamente con las clases populares o con la comunidad gitana. Diferentes figuras históricas o contemporáneas se han relacionado con una u otra postura, aunque muchas veces la frontera entre flamenquismo y antiflamenquismo no es absoluta, y hay quienes han transitado ambas posiciones de forma crítica o compleja. Intelectuales y artistas afines a la corriente del flamenquismo por ejemplo, fueron, Federico García Lorca, Manuel de Falla, Antonio Mairena… y en la corriente del antiflamenquismo encontramos a Blas Infante, Giner de los Ríos, Antonio Machado (hijo), y algunos de la generación del 98 como Unamuno o Azorín, que mostraron un cierto desprecio elitista hacia el flamenco, al asociarlo con atraso o incultura. Algunos intelectuales del siglo XX, como Blas Infante en determinados momentos, señalaron cómo el uso institucionalizado del flamenco podía ocultar la lucha por una transformación social y cultural más profunda. No obstante, el flamenco como arte musical y dancístico ha sido motivo de inspiración de diferentes artistas e intelectuales. Por este motivo se ha considerado oportuno realizar un recorrido sobre su presencia en diferentes ámbitos artísticos.

Mucho hay escrito sobre flamenco. Uno de los datos los tenemos en 1831, donde el escritor Estébanez Calderón (1843-1846) en su Escenas Andaluzas nos relataba aspectos del baile en Triana¹ y como oyó cantar al “El Planeta” el Romance del Conde Sol². Otra de las escenas con largo título es: Asamblea General de los Caballeros y Damas de Triana y toma de hábito en la general orden de cierta rubia bailaora y en ella hablan también de artistas como “El planeta” (figura 2), “El Fillo” así como “la Perla” y “el Jerezano”³. Posteriormente, el Barón de Davillier (1823-1886) en su libro Viaje por España, en 1862, nos aportaba una de las informaciones más significativa sobre el flamenco en España. Realizó un fidedigno y valioso testimonio de un baile de candil⁴. Es en ese libro donde se ven reflejados grabados y dibujos de Gustavo Doré (figura 1) de una indiscutible calidad⁵.

También es el caso de dibujos de Francisco Lameyer:

Aunque en algunas ocasiones fuese un arte mal visto socialmente y asociado a “gentes de mal vivir” han sido muchos los escritores que han enaltecido el flamenco como Cadalso, Estébanez Calderón, Demófilo, Ricardo Molina, González Climent, Félix Grande, Bécquer, Lorca o Alberti⁸…, con sus escritos han dejado plasmado la relevancia de este arte dignificándolo como algo sublime. Esto despertó el interés de Europa por nuestro país. Fue un momento en el sigo XIX donde intelectuales y artistas empujados por el movimiento romántico, además de aristócratas y burgueses por motivos de viajes comerciales y diplomáticos iniciaron en sus viajes intentos por acercarse a lo popular y costumbrista y conocer de lo que se había hablado o escrito pero que no conocían. Estos serían los primeros pasos de lo que posterior se conocería como baile flamenco⁹. Así, escritores Románticos como Victor Hugo y Merimée situaron sus dramas en España¹⁰. Algunos escritores como Ramón Gómez de la Serna¹¹ o Armando Palacio Valdés, en su famosa novela La hermana San Suplicio (1889)¹² hablaban sobre el zapateado de bailaoras como “Concha la Carbonera” en el café del Burrero. De la misma manera, diferentes poetas populares compusieron una serie de coplas entre las que cantaba Concha la Carbonera¹³. Pero no solo esta bailaora fue elogiada y reflejada en testimonios escritos, otros escritores como Agustín de Foxá y Rafael Alberti hablaron del bailaor Rafael Ortega Monje que bailaba junto con Pilar López¹⁴. Otra bailaora muy señalada por artistas y escritores fue Antonia Mercé “La Argentina” (1890-1936). Musa de escritores, como Valle Inclán¹⁵, ¹⁶, “La Argentina”, (que ya era muy popular), conociendo la repercusión de los intelectuales en el arte, aprovechó su fama para colaborar en charlas como ‘El espíritu de la danza española’ en París, el 30 de noviembre de 1923 en la Comédie des Champs-Elysées¹⁷. Gracias a ello, contribuyó a que el baile español adquiriera entre los intelectuales franceses el rango de lenguaje universal de la danza y contribuyó así a la dignificación y revalorización del flamenco. También Pastora Imperio (1885/92-1979) se encontró entre las musas de varios intelectuales¹⁸, como, por ejemplo, Jacinto Benavente (1866-1954) que, tanto la admiraba que cuando la veía bailar era un momento en el que decía creer en Dios¹⁹. Los intelectuales (tanto de la Generación del 27 como la del 98) no se han mantenido al margen de manifestaciones artísticas como el flamenco. Ya sea a favor o en contra, se han posicionado. No olvidemos el famoso escrito: Teoría y juego del duende de Federico García Lorca (1898-1936) donde intenta reflejar el sentido del “duende” en el flamenco, como un concepto artístico universal.

El flamenco ha ejercido una profunda influencia en numerosos compositores, tanto españoles como extranjeros. Algunos musicólogos y músicos como García Matos, Falla, Chueca, Granados o Albéniz fueron grandes admiradores y conocedores del flamenco²⁰. Compositores como Manuel de Falla, Joaquín Turina, Isaac Albéniz y Enrique Granados crearon obras inspiradas en motivos andaluces, que más tarde contribuirían al desarrollo del ballet español y a la estilización escénica del flamenco. Un fenómeno similar se produjo en otros países, donde compositores como Ravel, Rimski-Kórsakov o Debussy incorporaron danzas y músicas nacionales al ballet²¹.

Una de las colaboraciones más significativas entre el flamenco y la música culta fue la de Pastora Imperio y Manuel de Falla, quien compuso para ella²². El amor brujo, estrenada el 15 de abril de 1915 en el Teatro Lara de Madrid bajo el subtítulo de Gitanerías. Esta obra se convirtió en una referencia obligada para intérpretes del baile flamenco²³. Años más tarde, el 25 de mayo de 1925, fue representada nuevamente con Antonia Mercé “La Argentina” (1890–1936) y Vicente Escudero (1888–1980), alcanzando un total de 36 funciones²⁴.

Antonia Mercé fue también musa de Enrique Granados, quien compuso especialmente para ella, lo que contribuyó a la proyección internacional de la danza española. No debe confundirse con Encarnación López “La Argentinita” (1898–1945), quien colaboró con Federico García Lorca en la grabación²⁵ de Canciones populares españolas en 1931, donde Lorca acompañaba al piano. También interpretó en 1945 la obra Capricho español del maestro Falla.

Además de Falla y Granados, otros compositores se vincularon estrechamente al mundo del baile español. Por ejemplo, Antonio “el bailarín” (1921–1996) interpretó obras del barroco español, como las sonatas del Padre Antonio Soler (figura 3)²⁶, uno de los músicos más representativos del siglo XVIII.

La influencia del flamenco no fue solo unidireccional. Bailarines de renombre inspiraron también composiciones musicales. En los últimos años de vida de La Macarrona (1870–1947), Tomás de Antequera y Ricardo Freire compusieron en su honor el pasodoble Vargas la Macarrona, mientras que Antonio Segovia y Mari Fe de Triana estrenaron el pasodoble Macarrona flamencona. El célebre trío Quintero, León y Quiroga le dedicó unas Alegrías de la Macarrona, interpretadas por artistas como Rocío Jurado, Paco de Lucía, Niño Ricardo y Ramón Montoya²⁸.

La música española también despertó gran interés fuera de nuestras fronteras²⁹. Friedrich Nietzsche, tras escuchar la ópera Carmen de Georges Bizet, afirmó que era necesario “mediterraneizar la música”, es decir, incorporar elementos españoles y mediterráneos al panorama musical europeo. El propio Falla reconocía la influencia andaluza en compositores extranjeros.

Compositores como Domenico Scarlatti (1685–1757) y Luigi Boccherini (1743–1805), que vivieron en España, reflejaron la esencia de la música española en sus obras. Un claro ejemplo es la Sonata K492 en Re Mayor de Scarlatti (figura 4) y el Quinteto con guitarra n.º 4 G448 de Boccherini (figura 5).

El compositor ruso Mijaíl Glinka (1804–1857) viajó a España entre 1845 y 1847, visitó Granada y quedó fascinado por el arte de un guitarrista apodado El Murciano, cuya música intentó transcribir. En sus obras se aprecian ritmos y danzas como Fandango, en piezas como balle Don Juan de Gluck. El fandango también a aparece en las Bodas de Fígaro de Mozart. De esta manera podrían establecerse relaciones de diferentes obras y composiciones europeas con aires andaluces e hispanos.

Asimismo, otros compositores europeos incorporaron influencias hispánicas en sus obras, como, por ejemplo, como obras propias del Clasicismo musical encontramos P.L. Tchaikovski (1840-1893), Danza española de El lago de los cisnes. Como compositores propios de la música del Romanticismo, tenemos a Georges Bizet (1838-1875), con su ópera Carmen y del pos Romanticismo a Éduard Lalo (1823-1892) con su Sinfonía española para violín y orquesta. Concretamente dentro de los nacionalismos musicales propios del Romanticismo encontramos a Emmanuel Chabrier, (1841-1894) con su obra España, Rimsky-Korsakov (1844-1908) con Capricho español y Mijaíl Glinka (1804-1857) con Jota Aragonesa y Recuerdos de una noche de verano en Madrid. Estos nacionalismos se expandieron dentro del impresionismo musical situando a compositores como Joseph Maurice Ravel (1875-1937) con las piezas: Alborada del gracioso, Rapsodia española, Habanera y La canción española de sus Cantos populares; y Claude Debussy (1862-1918) con obras como la puerta de vino³², del libro II de sus Preludios y La soirée dans³³de Grenade de Estampes, Iberia³⁴ y La sérénade interrompue³⁵ del Libro I de Preludios.

Durante el auge de los nacionalismos musicales en España (finales del siglo XIX y principios del XX), esta influencia andaluza se consolidó en las obras de nuestros compositores. Destaca Manuel de Falla (1876–1946) con piezas como: Primera y segunda danzas españolas de La vida breve; Andaluza de Cuatro piezas españolas, Seguidille de Trois melodies, Serenata andaluza, El polo y El paño moruno de Siete canciones populares españolas, El amor brujo (Canción del amore dolido y canción del fuego fatuo), El sombrero de tres picos, Noches en los jardines de España, Fantasía Bética y Farruca de El sombrero de tres picos. Isaac Albéniz (1860–1909) también enriqueció el repertorio con obras como Suite Iberia, Rapsodia española y Suite española. Otros destacados compositores, fueron: Enrique Granados (1867-1916), que compuso Danzas españolas, Joaquín Turina (1882-1949) con piezas como Sevilla Op. 2, Cuarteto de la guitarra, Sacromonte de las Danzas gitanas y Danzas fantásticas y Pablo Sarasate (1844-1908) con composiciones como: Romanza andaluza, Vito y Habanera y Zapateado.

En el ámbito guitarrístico, destacan Fernando Sor (1778–1839) y Francisco Tárrega (1852–1909), autor de Recuerdos de la Alhambra. La guitarra flamenca también se integró en el repertorio instrumental orquestal gracias a artistas como “Paco de Lucía” (1947-2014) con 12 hits para 2 guitarras flamencas y orquesta de cuerda. Víctor Monge Serranito (1942-) con: Andaluz sinfónico, Sinfonía flamenca y Dos mundos y una guitarra, Vicente Amigo con Concierto para un marinero en tierra y Juan Manuel Cañizares (1966-) con el CD titulado Isaac Albéniz. Otro compositor es Rafael Riqueni (1962-) con Suite Sevilla.

Compositores como Manolo Sanlúcar (1943–2022) crearon obras específicamente para la escena, como Fantasía para guitarra y orquesta, Medea, Soleá, Trebujena, Aljibe y Tauromagia. José Antonio Rodríguez (1964–) también aportó con piezas como Guajira para guitarra y orquesta, Viento de libertad, El guitarrista azul, Tango y Réquiem, escritas para compañías como la Andaluza de Danza.

Otros artistas flamencos en concreto cantaores también han hecho aportaciones al género musical orquestal como Enrique Morente con: Misa flamenca y Fantasía de cante jondo para voz flamenca y orquesta y Miguel Poveda con Poemas de exilio, Rafael Alberti.

A partir de los años 70, el mestizaje musical se intensifica. El flamenco se fusiona con estilos musicales como pop, rock, música latina, jazz, blues, música árabe, hindú o música electrónica. Nace así lo que se conoce para algunos autores como ‘nuevo flamenco’ en el que se incorporan instrumentos armónico-melódicos propios de otras culturas musicales.

Ya vimos con en la obra del escritor Estébanez Calderón en su Escenas Andaluzas quedaban reflejados diferentes grabados de ilustradores como Gustavo Doré y Francisco Lameyer. Además de ello, en 1862 encontramos obras de pintores franceses que exponen ambientes del baile español. Es el caso del pintor Édouard Manet (1832-1883) “El ballet español” (figura 6) en Óleo sobre lienzo.

El flamenco como arte ha estado representado en diferentes corrientes o pintores impresionistas pues muchos de ellos, tomaron el tema de la bailarina española a finales del XIX y principios del XX. Tal es el caso de Joaquín Sorolla (1863-1923) con su obra conocidas sobre el retrato de la bailaora en el café novedades (figura 7).

O diferentes obras pictóricas de Julio Romero de Torres (1874-1930) como el cuadro de “Alegrias” en 1917 (figura 8).

Julio Romero también retrató a la bailaora Pastora Imperio (1885/92-1979)³⁹ en diferentes cuadros. En ellos introdujo a la mujer gitana en sus obras, no sólo por un tema puramente costumbrista sino a un simbolismo que ayudó a ennoblecer la etnia gitana que estaba vista socialmente como clase inferior. Este artista también retrató a “La Niña de los Peines” (1890-1969) y Encarnación López “La Argentinita” (1898-1945). Las bailaoras han sido desde siempre modelo del arte europeo. Así, ya en su vejez, Juana “La Macarrona” (1870-1947) como figura relevante del flamenco de la época de los cafés cantantes posó para el pintor Alfonso Grosso (1893-1983) y de esta manera quedó inmortalizada en sus lienzos⁴⁰. También el flamenco fue retratado por pintores cubistas como Juan Gris (1887-1927) (figura 9) o

Pablo Ruíz Picasso (1881-1973) en pinturas (figura 10) diseños de escenografía (figura 11) y vestuario (figura 12).

Picasso, participó en diseño de vestuario y escenografía en los grandes ballets Rusos de Diaghilev⁴⁵.

Salvador Dalí, (1904-1989) por ejemplo, también contribuyó con sus decorados de la obra de Lorca ‘El café de Chinitas’⁴⁶ (figura 13), donde también participó con su baile Encarnación López “La Argentinita”.

Varios pintores usaron como modelo a bailaoras y bailaores de flamenco. Bien es sabido el amor de Ignacio Zuloaga (1870-1945) por los gitanos y el flamenco. Diversos retratos de bailaoras gitanas dan fe de ello⁴⁸ como el caso de la bailaora María Albaicín. Pero son muchos los artistas crearon obras pictóricas sobre flamenco como: Gustavo Bacarisas, José Laffita, Gonzalo Bilbao, Alfonso Grosso, Gutiérrez Montiel, López Mezquita, Gutiérrez Solana, Joan Miró, Manuel Ángeles Ortiz, Baldomero Romero Ressendi, Capuletti, García Ramos, Eugenio Lucas, José Villegas y los más actuales Moreno Galván, Amalio García de Moral, Juan Valdés y Antonio Badía, entre otros⁴⁹.

Por otro lado, no sólo los bailaores fueron retratados, sino que los propios bailaores estuvieron influenciados por las corrientes vanguardistas del arte pictórico de la época⁵⁰ que supuso la influencia de esa corriente estética en su concepción del baile⁵¹. Es el caso por ejemplo de Vicente Escudero (1888-1980). Tan grande fue esta influencia, que él mismo realizó sus propios dibujos y pinturas. Pintaba los bailes antes de bailarlos. Defendía que el bailarín debía ser un “pintor de baile” en el sentido de la plástica, el color y el ritmo⁵². Del mismo se hablaba, que, fue incluso mejor pintor que coreógrafo⁵³. En los DVDS “Rito y geografía del baile: Primeros pasos al Teatro”, se recoge un archivo del Nodo, de 1977, en el que se ve a Vicente Escudero pintando y explicando la relación del baile con la pintura. En el propio vídeo, en el minuto 23, 48, Vicente escudero explica esto:

Pero no solo el bailarín Vicente Escudero se involucró en el arte pictórico. También Antonio Gades,(1936-2004) afirmaba que pintar le ayudaba a montar coreografías⁵⁵. Otra bailaora que ha estado relacionada con el mundo de la pintura fue “La Chunga” (1938-2025). No solo fue musa de grandes escritores y pintores, gracias que la descubrió el pintor Francisco Rebés, él mismo la protegió y apadrinó consiguiéndola hacer una bailaora de renombre. Además, él la impulsó a pintar exponiendo sus obras de estilo naif en diversas exposiciones en Madrid y París⁵⁶. Y es que, el arte pictórico es una de las artes en la que los artistas intérpretes de flamenco ven más relación⁵⁷.

El arte escultórico aunque menos difundido también se ha vinculado con el flamenco. Grandes escultores como Sebastián Miranda (1885-1975) asturiano, se especializó en la representación de bustos. Mariano Benlliure (1862-1947), (figura 14) valenciano, artista precoz, imaginero, tenía un estilo naturalista, detallista y minucioso. De modelado nervioso, rápido y vivaz dejó muestra patente en el barro, que fué la huella manual del artista.

Pablo Gargallo, (1881-1934), natural de Zaragoza, es considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XIX. Es conocido por sus esculturas a bailarinas, (figura 15) especialmente por su uso innovador de la chapa metálica para crear figuras estilizadas y dinámicas. Pero existen otros muchos escultores como Antonio Povedano, Venancio Blanco, Sebastián Santos, Augusto Morilla y los hermanos Gavira Alba que han reflejado motivos del arte flamenco en sus obras⁵⁹.

Desde que la fotografía comienza a tener un lugar como medio artístico en la segunda mitad del siglo XIX, podemos encontrar junto con los textos del barón Charles Davillier y los grabados de Gustave Doré, fotografías costumbristas del estilo música y baile español realizadas por Gustave de Beaucorps en su viaje por Andalucía en 1858⁶¹. Sus retratos de músicos gitanos se corresponden con el género de los tipos andaluces, (figura 16) de marcado carácter antropológico y mostrando instrumentos musicales propios del flamenco.

Otro de los fotógrafos del S.XIX que retrata al flamenco es Alphonse de Launay, (1822-1891) proveniente de una familia normanda de departamento de La Mancha, en la región de Normandía, y cuyos orígenes pueden trazarse desde 1610. Alphonse De Launay fue un fotógrafo francés que se formó como abogado, aunque tras rechazar un prestigioso puesto de inspector de la compañía de minas de Vieille-Montagne, decidió dedicar su vida a unos menesteres más artísticos, que incluían los viajes, las artes y la escritura⁶². Realizó dos viajes a España, el primero en 1851 centrado en la ciudad de Sevilla y el segundo en 1854, en un recorrido más amplio que incluyó Burgos, Valladolid, Segovia, Madrid, Toledo, Córdoba y Granada, de camino a Argelia, donde visitó Argel y Orán. La ruta escogida tomaba en consideración un Oriente en el Mediterráneo occidental formado por España y Argelia y fue similar a la ruta escogida por Paul Marès. Las fotografías realizadas en Sevilla en el transcurso de su primer viaje se centraron en estudios etnográficos y de tipos populares, “fotografiando numerosos personajes sevillanos ataviados con primitivos trajes españoles”⁶³, en las que se manifestaba una imagen exótica del pueblo andaluz (figura 17).

Carlos Pérez Siquier, (1930-2021) en su famosa serie fotográfica realizada en La Chanca (Almería) entre 1956-1965 tiene algunas fotografías que reflejan costumbres de la zona, donde el baile flamenco está presente en contextos informales como forma de celebración (figura 18).

También en esa época se pueden comprobar fotografías de carteles de espectáculos (figura 19).

Por su parte, Inge Morath (1923-2002), fue una fotógrafa austriaca nacionalizada en Estados Unidos conocida por su mirada sensible y humanista. Una de las primeras mujeres en formar parte de la prestigiosa agencia Magnum Photos. A lo largo de su carrera, Morath recorrió el mundo documentando la vida cotidiana, la cultura y los rostros de lugares tan diversos como Irán, China, España. De esta manera plasma en sus fotos momentos de representación de baile flamenco en Sevilla, (figura 20) caracterizada por la elegancia, la curiosidad intelectual y un profundo respeto por las personas y culturas que retrató.

Ruven Afanador (1959) en su serie “Mil Besos” (2009) muestra una interpretación visual del flamenco, centrada en bailaores y cantaoras. Las imágenes son en blanco y negro, cargadas de dramatismo, belleza y simbolismo (figura 21).

Seán MacLaochlainn (Shan MacLauchlan) (1895-1960) Conocido por su serie fotográfica “The Flamenco Project”, muestra retratos profundos de artistas flamencos en Andalucía (figura 22).

Otro tipo de fotografía de carácter escenificado, en este caso plasmando un momento etéreo, fugaz es el que realiza la fotógrafa Isabel Muñoz (1951-) su obra es principalmente en blanco y negro, se centra en el cuerpo humano y sus expresiones: danza, rituales, culturas diversas y realidades sociales. La figura 23 es un ejemplo sobre su serie fotográfica Flamenco (1989).

Otro de los fotógrafos que representa el flamenco escenificado es Man Ray (1890-1976). Su obra mezcla lo onírico, lo abstracto y lo provocador, rompiendo con las convenciones del arte tradicional. Fotografió diversos temas relacionados con la danza, el movimiento y el cuerpo humano, influenciado por el espíritu vanguardista de su época (figura 24). Algunos de ellos se encuentran en el museo de Arte Reina Sofía.

Ricard Terré (1928-2009) fotógrafo catalán, tiene una serie de “La Chunga”, de movimiento congelado, en escenas llenas de tensión emocional, donde realza la figura femenina como fuerza de expresión vital (figura 25). También se encuentra en el museo de Arte Reina Sofía.

Y cómo no, el retrato de artistas flamencos también es fotografiado. Así, Cristina García Rodero (1949) incluye retratos de bailaores, cantaoras y escenas callejeras reflejan la intensidad emocional y la conexión espiritual del flamenco con el pueblo. Lo retrata no solo como arte, sino como expresión identitaria. Así, fotografía a la gran bailaora Carmen Amaya (figura 26) (1918-1963).

También en el apartado del retrato flamenco y de grandes nombres representativos, cabría destacar el trabajo de la fotógrafa gaditana Ana Torralva,(1957) que gira en torno al duende como categoría estética y expresiva. El flamenco, y en especial el Festival del Cante de las Minas, son el eje central de su trabajo como fotógrafa retratista, (figura 27) destacando por composiciones de carácter intimista.

Pero hay muchos más registros de fotografía del flamenco. Por ejemplo, el libro de Alberto Schommer⁷⁵, y el libro de Caballero Bonald con fotografía de Isabel Steva Hernández “Colita” (1940-)⁷⁶ que dedicó gran parte de su carrera a retratar el mundo del flamenco, especialmente en los años 60 y 70. Capturó figuras como Carmen Amaya y Antonio Gades, mostrando el alma del flamenco desde dentro, con un enfoque humano y emotivo. Finalmente, también encontramos el catálogo publicado por Aperture de una exposición del 2009 sobre flamenco y fotografía⁷⁷.

Desde la llegada del cine a España en 1896, el arte flamenco ha tenido una presencia constante en la gran pantalla. Ya en las primeras décadas del siglo XX, destacadas figuras del baile flamenco comenzaron a aparecer en diversas producciones cinematográficas.

Una de las pioneras fue Antonia Mercé “La Argentinita” (1898–1945), figura esencial del baile flamenco en la primera mitad del siglo XX y hermana de Pilar López. Participó en Flor de otoño⁷⁸ (1916), en la que apareció bailando. Otra figura icónica fue Pastora Imperio (1885/1892–1979), hija de la bailaora Rosario Monje “La Mejorana” y abuela de Charo Vega. Considerada una de las grandes artistas de su época y musa de pintores y poetas, Pastora intervino en numerosas películas como La danza fatal (1915), Gitana cañí (1917), La Marquesona (1939), Canelita en rama (1943), El amor brujo (1949, dir. Antonio Román), Estoy tan enamorada (1954), Pan, amor y… Andalucía (1958, junto a Antonio “el bailarín”), y Duelo en la Cañada (1959). Una de las más populares fue María de la O (1936), donde interpretó a Itálica⁷⁹ y compartió escena con Carmen Amaya (1918–1963), quien dio vida al personaje principal⁸⁰.

Juana “La Macarrona” (1870–1947), jerezana y célebre figura de los cafés cantantes y de los teatros, también hizo incursiones en el cine⁸¹, como en Violetas imperiales (1931), donde interpretó a una gitana mendiga. Más coetánea fue la bailarina jerezana Rosa Durán (1922–1999), que bailó durante 22 años en el tablao Zambra de Madrid y participó en películas como Brindis a Manolete (1948) y Currito de la Cruz (1949), en la que bailó por alegrías⁸². Enrique “El Cojo” (1912–1985), autodidacta y originario de Cáceres, a pesar de su cojera llegó a convertirse en un reconocido bailaor, participando en películas⁸³ como España otra vez (1969)⁸⁴ y Carmen (1975).

Entre las artistas de mayor proyección internacional destaca Carmen Amaya (1918–1963), fue criada en Barcelona, pero originaria de la estirpe granadina Amaya del Sacromonte, y prima de La Chunga. Su filmografía incluye títulos como La hija de Juan Simón (1935)⁸⁵, ⁸⁶, ⁸⁷. Dirigida por Luis Buñuel, La casa de Troya (1936), y El embrujo del fandango (1940, rodada en Cuba⁸⁸)⁸⁹. En esta película interpreta una danza española y sus famosas alegrías con pantalón. Original Gipsy Dances⁹⁰ (1941), Aires de Andalucía (1942), Follow the Boys (1944), Knickerbocker Holiday (1944), Los amores de un torero (1945), y Los Tarantos (1963), junto a Antonio Gades y El Guito. Esta última tuvo gran acogida entre el público y la crítica. Películas como El amor brujo (1949) y Los Tarantos⁹¹ serían revisitadas posteriormente⁹² por otros cineastas.

En la segunda mitad del siglo XX, el flamenco siguió consolidándose en el cine. Pilar López (1912–2008), hermana de La Argentinita y destacada coreógrafa, participó junto a Antonio “el bailarín” en Duende y misterio del flamenco (1952), de Edgar Neville^{93, 94}, interpretando una caña⁹⁵. Esta fue considerada una de las películas más significativas del género. En ella Antonio interpreta un famoso y representativo martinete⁹⁶. Antonio “el bailarín” (1921–1996), sevillano multifacético y figura central de la danza española, desarrolló una extensa carrera artística tanto en España como en el extranjero. Su filmografía incluye títulos como El sombrero de tres picos (1944), El Rey de Sierra Morena (1950), Niebla y sol (1951) ⁹⁷, ⁹⁸, Todo es posible en Granada (1954) y Luna de miel (1959)⁹⁹, ¹⁰⁰ done interpreta el zapateado de Sarasate¹⁰¹. También destacó en Ley de una raza (1969) junto a La Chunga, y en La nueva Cenicienta (1964) junto a Marisol. Participó en documentales como Sinfonía española (1964), junto a Lola Flores y El Pescaílla. Uno de sus trabajos más importantes fue El sombrero de tres picos (1972)¹⁰², producido por Televisión Española, donde interpretó una destacada farruca, así como La taberna del toro (1975), en la que bailó un taranto¹⁰³. Como pareja artística con Rosario, actuó en películas como¹⁰⁴ Ziegfeld Girl¹⁰⁵ y Canta otra canción (1941). En su regreso a Hollywood, participó en Hollywood Canteen (1944), bailando “El vito”¹⁰⁶. El Guito (1942–2025) apareció en películas como La gitana (1965) y Valiente (1964), junto a la bailarina María Rosa (1937–), quien también participó en Los duendes de Andalucía (1966).

El legendario bailaor Vicente Escudero (1888–1980) actuó en varias películas en Hollywood y luego en España¹⁰⁷, destacando títulos como Goyescas (1942), Castillo de naipes (1943)¹⁰⁸, La revoltosa (1949) y Fuego en Castilla (1957)¹⁰⁹.Antonio Gades (1936–2004), otro gran referente, participó en películas¹¹⁰ como Salomón y la reina de Saba (1960), Los Tarantos (1963), Noches en los jardines de España (1973), y Con el viento solano (1965)¹¹¹, dirigida por Mario Camus. También actuó en Último encuentro y en la versión de El amor brujo (1967) dirigida por Rovira Beleta, donde compartió reparto con Rafael de Córdoba (1937–), quien también intervino¹¹² en Danzas de España (1959), Cabriola (1965) y La Carmen (1975).

Posteriormente, Antonio Gades protagonizó la trilogía dirigida por Carlos Saura: Bodas de sangre (1981)¹¹³, ¹¹⁴ Carmen (1983), y El amor brujo (1986), acompañado por Cristina Hoyos (1946–) y El Guito. Cristina Hoyos también participó en Montoyas y Tarantos (1989) de Vicente Escrivá, junto a Antonio Canales¹¹⁵. Saura continuó su exploración del flamenco con Sevillanas (1992), incluyendo a grandes figuras como Matilde Coral, Manuela Carrasco, Lola Flores, y Merche Esmeralda¹¹⁶. Más tarde, dirigió los documentales Flamenco (1995), con fotografía de Vittorio Storaro y actuaciones de Mario Maya, Farruco, Joaquín Cortés, La Paquera de Jerez, y José Mercé; Iberia (2005), con Antonio Canales, Sara Baras, y los Morente; y Flamenco, Flamenco (2010), con artistas como Paco de Lucía, Eva Yerbabuena y Sara Baras.

En el siglo XXI, el flamenco continuó su presencia en el cine. Sara Baras tuvo una aparición en Misión Imposible II (1999), junto a Tom Cruise¹¹⁷. Antonio Canales protagonizó Vengo (2000), mientras que Manolete y su hija Judea Maya actuaron en En nombre del padre (2000), mostrando la transmisión del flamenco entre generaciones¹¹⁸. Joaquín Cortés protagonizó Gitano (2000) y tuvo una aparición en La flor de mi secreto (1995) de Pedro Almodóvar¹¹⁹, junto a Manuela Vargas (1941–2007) bailando un paso a dos¹²⁰ quien también rodó El sueño de una noche de verano (1984) bajo la dirección de Lindsay Kemp¹²¹.

Todos estos ejemplos reflejan cómo el baile flamenco ha sido y sigue siendo una fuente inagotable de inspiración para guionistas y cineastas, consolidándose como un pilar fundamental del arte y la cultura en el cine español e internacional.

En este trabajo se ha podido exponer como desde diferentes áreas y disciplinas artísticas se han establecido vínculos entre las artes, artistas e intelectuales. Así el flamenco, ha sido un punto de referencia como inspiración a distintas obras y también, como influencia e interdisciplinariedad y transversalidad entre las diferentes artes. Se han puesto de manifiesto relaciones como las de la bailarina Pastora Imperio, que fue fuente de inspiración de poetas que le hacían versos, pintores como Julio Romero de Torres que la retrataban, y cineastas que la solicitaban en sus películas¹²². Antonia Mercé “La Argentina” (1890-1936), fue una bailarina española nacida en Argentina y de padres bailarines que renovó la danza española. Sus interpretaciones mostraron la unión perfecta entre música nacionalista y decorados cubistas¹²³. Tal fue la hibridación de artistas e intelectuales que conocido es el idilio entre Encarnación López ‘La Argentinita’ (1898-1945) y el torero Ignacio Sánchez Mejías. También tuvo amistad con Rafael Alberti y colaboró con Federico García Lorca que acompañó él mismo con el piano canciones interpretadas por ella. De esta manera “La Argentinita” consiguió un papel en el primer estreno teatral de Federico García Lorca con la obra ‘El maleficio de la mariposa’ (1919)¹²⁴. Además, los escritores hermanos Quintero la denominaron ‘musa del baile’¹²⁵. “La Chunga” (1938-2025) fue inmortalizada en los versos de varios poetas como Alberti, Bargamín o Caballero Bonald y, además, participó en algunas películas en Hollywood¹²⁶. También conoció a Picasso, Dalí, Miró y ella desarrolló su propio estilo de pintar naif. Por otra parte, las personalidades más destacadas del cine, la música y la cultura vieron bailar a Carmen Amaya (1918-1963). Entre ellos podemos nombrar a Orson Welles, Erich María Remarque, Edward G.Robinson, Greta Garbo, Dolores del Rio, Diana Durbien, Charles Chaplin…¹²⁷.

Las corrientes vanguardistas, principalmente la pintura y la poesía, influyeron en Vicente Escudero (1888-1980)¹²⁸. Gracias a encuentros con artistas como Metzenger, Fernand Leger, Juan Gris, Luis Aragón Andrés Bretón, Eluard, Kess van Dongen, Buñuel, Manray, Tristán Tzara, Pablo Picasso, Juan Miró y Falla¹²⁹… se pone al tanto de las teorías cubistas surrealistas y dadaístas”¹³⁰. La relación entre artistas flamencos y otros artistas e intelectuales favoreció la interrelación y retroalimentación que se cristalizaron en obras holísticas de arte. Así, gracias a la creación de los ballets internacionalmente reconocidos como “Los ballets rusos” cuyo fundador fue Sergei Diaghilev, se vincularon diferentes artes y participaron diversos artistas como músicos, escritores, pintores, escultores… compositores como Falla, Igor Stravinski, Sergei Prokofiev, Maure Ravel, Claude Debussy. Pintores como Picasso, Henri Matisse, y coreógrafos como Nijinsky, Léonide Massine, y George Balanchine¹³¹. En estos ballets participaran los mejores bailarines de baile español como Pastora Imperio o bailaores como “Felix el Loco”¹³². Así, el baile español protagonizó presencia internacional asomándose a prestigiosos escenarios del mundo¹³³.

A día de hoy, ya no prevalecen posturas tan radicales de flamenquistas y sus opositores. Aunque el flamenco sigue siendo un arte totalmente desconocido para la mayoría, poco a poco, se reconoce el enorme valor artístico, histórico y cultural, pero al mismo tiempo se cuestiona su uso superficial o comercial. Desde esta perspectiva, se defiende un flamenco crítico, contemporáneo, vivo y abierto a nuevas influencias. El reto actual consiste en valorar el flamenco sin caer en simplificaciones, comprendiendo su riqueza desde una mirada respetuosa, crítica y renovadora.